Pour cette nouvelle création, après La Brande présentée la saison dernière, ils s'inspirent du documentaire Où gît votre sourire enfoui ? de Pedro Costa, découvert presque par hasard. Dans le film, les deux réalisateurs sont captés sur le vif, dans leur travail comme dans la vie privée. De leur relation émane une intransigeance artistique, intime et politique qui fascine Alice Vannier et Sacha Ribeiro. Tandis qu’ils se questionnent sur leur propre démarche, les deux artistes convoquent par leur jeu les figures des cinéastes. Dans un espace en mouvement permanent, ils traversent avec sensibilité les questions du consensus, de l’accessibilité de l’art et du rapport entre oeuvre et public.

Avec Frames (cadres), Alexander Vantournhout interroge notre rapport aux oeuvres à travers trois installations chorégraphiques conçues comme des terrains de jeu pour repenser le regard. L’artiste belge, véritable chorégraphe de l’espace, sort du périmètre de la scène et multiplie les cadres de représentations, déplaçant ainsi le public au fil d’un parcours en trois temps. S’appuyant sur la gravité et le potentiel du corps humain, la performance physique se confronte à ses propres limites. Résistance, équilibre et coopération sont les maîtres-mots d’une oeuvre qui, à la manière d’une sculpture ou d’une peinture, prend forme sous nos yeux. Une exposition vivante dont chacun·e a la clé, selon son propre point de vue.

En japonais, « fureru » signifie « toucher » ou « être touché », dans tous les sens du terme. Une définition que la chorégraphe expérimente dans toute sa profondeur, en provoquant la rencontre entre son corps et un bloc de glace qui devient partenaire de jeu. De cette matière, nourrie de ses collaborations avec la marionnettiste et metteuse en scène Élise Vigneron, elle développe une forme qui tient autant de la résistance physique que de la chorégraphie poétique. À travers la glace, la lumière et le son, une énergie presque palpable relie alors la danseuse et son public, jusqu’à partager avec lui les sensations et les émotions qui traversent son corps.

Comment répondre au grand n’importe quoi du monde, qui s’emballe à toute vitesse à la moindre occasion ? Face à ce débordement (« gush »), Julie Botet, Max Gomard, Philomène Jander, Zoé Lakhnati et Simon Le Borgne s’emparent de la question. À la précipitation, il faut imposer la patience, et à l’encombrement, il convient d’opposer la sobriété. C’est dans ce mouvement d’ensemble que les danseur·euses se confrontent à l’absurdité de nos sociétés. Porté·es par les compositions musicales d’Ulysse Zangs, ils et elles participent à une lente procession sur un sol peu à peu recouvert d’objets, comme les vestiges d’une espèce en voie de disparition. Un soulèvement suspendu jusqu’à la libération des corps.

Il y a d’abord un corps, contraint dans l’espace d’un salon trop propre aux dimensions étriquées. Là, chaque souffle, chaque geste, chaque son prend une dimension gigantesque. Une écriture du détail qui tient autant de l’interprétation que de la performance scénographique, pour ce spectacle qui établit un dialogue nécessaire entre la présence, la poésie et l’espace physique et sonore. Hauts Cris (miniature) met ce corps à l’épreuve de tout ce qui le traverse et le transforme en caisse de résonance. En réponse aux vers du poète Agrippa d’Aubigné, Vincent Dupont se déploie peu à peu, de son premier soupir jusqu’au cri libérateur, vers une musicalité physique au service de cette révolte émancipatrice.

Réduit à une notion de fantasme ou relégué en marge de la société, le corps queer tente la plupart du temps d’échapper aux normes qui voudraient s’imposer à lui. Cette réflexion est au coeur du travail d’Andrea Givanovitch, qui envisage le cuir comme une matière textile autant que sonore. Seul dans Untitled (Somme Faggy Gestures) puis dans Leather Better, le chorégraphe-interprète s’entoure cette fois-ci de deux danseur·euses pour questionner la représentation de genre. Dans cette performance rythmée par les frottements et le souffle, ils et elles cherchent ensemble à libérer leurs corps, empêchés sous le poids du cuir de leurs costumes, métaphore des normes sociales et politiques.

Accompagnée par Juliette Zanon, artiste protéiforme, elle imagine une forme hybride traversée par l’urgence de créer, dans laquelle l’excès et la démesure sont synonymes d’une folle envie de vivre. Il y a tout ce que l’artiste aux multiples disciplines sait faire et qu’elle développe dans ses spectacles. Et il y a le reste, qui s’impose ici en réponse aux épreuves de la vie, et en dépit des conventions. Revenant aux arts modestes du cirque, Jur Domingo mêle clown, chant, théâtre, manipulation d'objet, marionnettes, vidéo pour raconter une histoire qui pourrait être la sienne. La femme des astres fait le portrait d’une femme qui devient folle mais d’une manière qui donnerait envie d’être folle… Confidente de ce récit qu’elle s’approprie, elle s’en fait le relais avec humour et décalage. À l’intimité succède alors une intensité sans limite [...]

De cette rencontre, l’artiste tire une performance décalée, autant qu’une réflexion approfondie, sur son rapport à cet art qui nourrit depuis longtemps son travail. À partir de la figure de la diva, de ses rôles emblématiques et de l’imaginaire qui en découle, elle s’amuse à explorer des états de corps et de jeu, notamment à travers ce qu’elle appelle les « danses du visage » des cantatrices. Comment passe-t-on d’un beau visage qui chante à un visage monstrueux ? Une recherche qu’elle mène au carrefour du théâtre, de la danse et du chant lyrique, auquel elle s’est formée récemment, pour mieux disséquer les atours sacrés de l’opéra.

Quel risque peut-il y avoir à réunir une chorale amateure en préparation d’un grand concert ? À priori aucun, l’occasion est belle et joyeuse de faire revivre des chants traditionnels et d’en partager la culture… à condition que la cheffe d’orchestre ne fasse pas partie d'un projet culturel européen aux fins bien plus ambitieuses ! C’est ce glissement, infime et progressif, qui intrigue Gabriel Sparti, optant pour un théâtre musical dans la veine de Christoph Marthaler. De l’insouciance heureuse à l’autoritarisme, le metteur en scène s’inspire de véritables détournements qui ont transformé le folklore en propagande fasciste. Une pièce aussi drôle que terrifiante sur les menaces qui planent autour de nous.

En puisant leurs inspirations dans le ciné-concert comme dans le théâtre d’objets, le musicien Jérôme Lorichon et l’illustrateur Émeric Guémas créent en live un spectacle, mêlant musique, théâtre d’ombres et cinéma d'animation, entre souvenirs préhistoriques et anticipations éco-fantastiques. À travers les figures des monstres issus de la pop culture, MoJurZiKong (Moby Dick, Jurassic Park, Godzilla, King Kong) nous embarque dans une odyssée spatiale improbable, à la rencontre d'une planète peuplée de dinosaures et dirigée par un dictateur réfugié sous terre. Une épopée pour petits et grands qui se déroule autant au plateau que sur l’écran, mettant en perspective l’imaginaire enfantin et la sophistication de sa conception.

L’imaginaire de Madame Olala paraît infini. Et c’est tant mieux, car autour d’elle tout semble pouvoir prendre forme. À la rencontre de la scène, du dessin et de la composition musicale, dans un dispositif pensé comme un terrain d’expérimentation, Olalaland met la technique au service de la poésie. Un conte épique et merveilleux écrit comme un tourbillon d’images, d’illusions, de sons et de couleurs. Dans la lignée de leurs précédents spectacles accueillis au théâtre Garonne (Ainsi la bagarre en 2022 et Madame L’Aventure en 2024), Lionel Dray et Clémence Jeanguillaume conçoivent une forme à nulle autre pareille, où l’univers BD et la musique se rencontrent dans un grand tohu bohu absurde et poétique.

Nicolas Heredia leur propose ici un jeu : interpréter des interviews d’acteurs et d’actrices mythiques du cinéma, qui parlent librement de leur travail, de leurs doutes, de leurs limites et de leurs empêchements. Dès le départ, les répétitions ont été filmées, pour capturer les premières tentatives, les tâtonnements, les avancées. Il en résulte un objet hybride et joueur : à la fois un spectacle et un regard sur le spectacle en train de se faire. Et, en dévoilant la vulnérabilité des acteurs et actrices qui tentent, ratent, recommencent, se dessinent finalement peu à peu des choses assez largement partagées par chacune et chacun d’entre nous : nos peurs paralysantes et nos soudains élans de confiance, nos refus d’obstacles, nos fragiles trouvailles, et notre redoutable capacité à retomber à peu près sur nos pattes – parfois avec une cer [...]

Dans chacune de ses pièces, Volmir Cordeiro s’attèle à questionner les rapports sociaux qui fondent nos sociétés. Poursuivant une recherche autour de la diversité et la visibilité des êtres marginalisés, Parterre ne fait pas exception et devient précisément le lieu d’expression de cette pluralité. Sur le plateau, cinq corps chargés de leur propre histoire se rencontrent. En guise de costumes, des déchets glanés ici et là comme témoins de nos modes de vie. Ce sol qu’ils ont en commun est le point de départ d’une cérémonie carnavalesque, une performance transgressive comme un acte de résistance. Un cri de joie et de liberté à partager entre artistes et spectateur·ices.

« Que veulent les morts ? Ils veulent être souvenus. » Vinciane Despret SEUIL aborde cet espace fragile où présence et absence s’entremêlent. Les deux circassiens évoluent ensemble entre marionnettes, danse et virtuosité acrobatique et tissent un vocabulaire du lien fait de portés, de suspensions et de déséquilibres. La notion de poids et de contrepoids traverse toute l’écriture du spectacle, qui se déploie comme un corps à corps entre le vivant et l’inerte. Un cirque de la relation entre les vivants et les morts, où chaque mouvement tente de retenir une présence. Une puissante métaphore entre l’être et son double.

Les blagues et la légèreté ont beau avoir toujours forgé leur relation père-fille, cela ne les empêche pas d’aborder des sujets existentiels. Parmi eux, la peur profonde de l’artiste de voir disparaître son père. Un thème que Stéphanie Aflalo nourrit autant de ses références philosophiques que de son propre lien au théâtre, au coeur d’un dispositif minimaliste qui joue du décalage entre la forme et le fond. Répondant, à travers un simple écran plat, aux vidéos de son père captées sur caméscope, l'artiste partage cette intimité filiale avec pudeur et dérision. Face à cette fatalité qui nous concerne tous, Tout doit disparaître est une tentative, dérisoire et obstinée, d’apprivoiser l’impossible.

« C’est une pièce sur la famille que l’on a et celle que l’on choisit d’avoir. » Nans Laborde-Jourdàa a grandi en plein Béarn, là où on ne se raconte pas vraiment. Dans ses souvenirs, les traditions de sa jeunesse se mêlent au désir de liberté qu’il projette vers l’Espagne, à deux pas de chez lui. Un imaginaire qui trouve écho dans la flamboyance du cinéma d’Almodovar, dont l’artiste nourrit sa propre écriture. Entre théâtre, chant, danse et performance, la pièce suit les derniers jours d’une famille dans un appartement d’une petite ville pyrénéenne : une mère de famille, femme de ménage qui a passé sa vie à s’oublier, ses deux enfants tout juste majeurs, la grand-mère et la voisine de palier, libre de vivre sa vie comme elle l’entend. Jouée par des interprètes de tous horizons, Une famille pyrénéenne dresse tendrement le portrait de cel [...]